«Музы Монпарнаса» – выставка в ГМИИ им. А.С. Пушкина, посвященная художницам, работавшим в Париже начала ХХ века. Тогда мир искусства полностью принадлежал мужчинам, и дамские занятия живописью и скульптурой считались чудачеством – к ним никто не относился серьезно. Однако в ту эпохи жили великие женщины, прорвавшие оборону гендерных стереотипов и занявшие место наравне с мужчинами или даже выше. Специально для DEL`ARTE Magazine Александра Ерошенко рассказывает истории восьми великих художниц, чьи работы можно увидеть на выставке в Москве.
Монпарнас в Париже в начале ХХ века – единственное место, где женщины могли обучаться искусству. О действительно профессиональном образовании речи не шло: «слабому полу» можно было посещать занятия только в некоторых частных мастерских и академиях. Несмотря на это, художницы со всего мира стремились на Монпарнас, чтобы стать частью парижской богемы.
Александра Экстер. Композиция. 1914. Источник фото: авторское
В первом зале выставки «Музы Монпарнаса» собраны работы Любови Поповой и Александры Экстер, показывающие, насколько многообразными были художественные искания в тот период; Пабло Пикассо и Макса Нордау, посвященные другой ипостаси женщины в искусстве – натурщице и музе художника.
Пабло Пикассо. Три женщины. 1907-1908. Источник фото: авторское
Женская скульптура
В отдельном зале представлены работы женщин-скульпторов: Анны Голубкиной, Камиллы Клодель, Веры Мухиной. Именно эти женщины доказали, что физически сложный труд скульптора может покориться «слабому полу».
Анна Голубкина – девушка из русской глубинки, решившая сначала поехать в Москву, чтобы поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, а потом на деньги меценатов – в Париж. Она не знала иностранных языков, но обладала невероятным стремлением добиться успеха. Приехав на Монпарнас, начала посещать занятия в Академии Коларосси, но была разочарована: знаний в женских классах давали несравнимо меньше. Тогда она начинает работать в собственной мастерской, консультируясь у Огюста Родена, который в то время был признанным гением скульптуры.
Голубкину в тот период волнует тема возрастных изменений женщины, в особенности старость. Именно там она создает скульптурные этюды и маски женщин в возрасте, которые представлены на выставке в Москве.
Камилла Клодель. Вальс. 1900. Источник фото: авторское
Имя Камиллы Клодель находится в тени Огюста Родена – она была его ученицей и возлюбленной. Однако в своих дневниках она писала о том, что Роден крадет у нее творческие идеи. Эта навязчивая мысль довела ее до сумасшествия: в 1905 году Клодель получает официальный диагноз «шизофрения» и последние 40 лет жизни проводит в сумасшедшем доме.
В приступе помешательства она уничтожила многие свои скульптуры, поэтому особенно значимо, что московскому музею удалось договориться с наследниками Клодель и привезти работы, хранящиеся в семейной коллекции. Именно таким образом на выставку попала скульптура «Вальс», демонстрирующая взаимовлияние художественных методов Клодель и Родена. Эта скульптура – зримо воплощенное размышление о роли женщины в отношениях: схваченная сильными руками мужчины, она безропотно следует за ним, растворяясь в собственных чувствах и превращаясь в потоки воды.
Вера Мухина. Революция. 1919. Источник фото: авторское
Вера Мухина, автор хрестоматийной скульптуры «Рабочий и колхозница» начинала свой творческий путь в Париже, и тоже в Академии Коларосси. Именно там она находит свой уникальный скульптурный язык грубых лапидарных форм, которые помогут ей отразить революционный дух в пластических искусствах.
Новая живопись женщин
Салон женщин художниц и скульпторов был основан в Париже еще в 1881 году, но самостоятельное значение в мире искусства он приобретает в период с 1900-х по 1930-е.
Тамара Лемпицкая. Женщина в черном платье. 1923. Источник фото: авторское
Тамара Лемпицкая – одна из ярких представительниц нового салона. Она стала первой художницей, которая вела активную светскую жизнь в «ревущие 20-е». Известность в мире парижской богемы дама завоевала смелым гламурным обликом и бесконечными романами как с мужчинами, так и с женщинами.
На полотне «Женщина в черном платье» художница изображает идеал красоты эпохи ар-деко – грубоватые линии и мужеподобная фигура в сочетании с безукоризненным вкусом. Многие современники вспоминают Лемпицкую как страстную натуру, о чем косвенно может сказать выбранное ею цветовое сочетание: красное и черное.
Жаклин Марваль. Три грации. 1905. Источник фото: авторское
Жаклин Марваль жила с живописцем Жюлем Фландреном, их называли «вечными влюбленными Монпарнаса». При жизни она не стремилась участвовать в женских выставках и бороться за равноправие. Но после ее смерти в 1932 году работы Марваль выставляет Салон современных женщин-художниц (FAM).
В ее работах символизм сочетается с импрессионизмом, как в полотне «Три грации». Невинность, Красота и Любовь – три ипостаси женщины, делающие ее совершенством природы, – изображены художницей далекими от «идеала». Понятно, почему картины Марваль стали трактовать как феминистические, – она изображает реальных женщин со всеми особенностями фигуры, что является сегодня иллюстрацией идеи бодипозитивного движения.
Ромейн Брукс. Женщина с цветами. Весна. 1912. Источник фото: авторское
Ромейн Брукс – французская художница американского происхождения, не принявшая новые художественные течения. Всю жизнь она работала в эстетике символизма, как в полотне «Женщина с цветами. Весна». Аллегория Весны приобретает мистический оттенок из-за нехарактерного темного цвета волос и темной накидки.
Художница предпочитает работать крупными локальными пятнами: зеленый, черный и жемчужно-серый. Ей была свойственна любовь к монохромным гаммам, и с Брукс часто советовались как с дизайнером интерьеров, хотя ей эта роль совсем не нравилась.
Новые направления
Уникальный художественный путь сложился у Сони Терк-Делоне. Девушка приехала из Одессы и вошла в артистический круг Монпарнаса через знакомство с немецким арт-дилером Вильгельмом Уде.
Соня Делоне. Эскизы для ткани Источник фото: авторское
Вместе с супругом Робером Делоне они создали симультанизм – направление искусства, построенное на пульсации цветовых контрастов. Эти находки отразились в серии орнаментов для ткани. Потом Соня Терк-Делоне создаст собственное ателье, где эстетика авангарда найдет свое воплощение в предметах одежды и интерьера.
Соня Делоне. Эскизы для ткани Источник фото: авторское
Мари Васильефф (Мария Васильева) – художница русского происхождения. Она приехала в Париж, получив стипендию на обучение, и жила в одном пансионе с Соней Терк-Делоне. Мари училась в Академии Матисса, а в 1911 году создала собственную Русскую академию. Учебное заведение сохраняло свой авторитет и в 1920-е годы. Главным для нее направлением становится прикладное искусство: она создала настольные лампы в эстетике ар-деко, небольших кукол из подручных материалов и архитектурные макеты.
Макет мастерской Марии Васильевой на ул. дю Мэн, 21, где она работала с 1912-го по 1918 год. Источник фото: авторское
При этом Мари Васильефф занимается и станковой живописью, вступая в диалог с великими мастерами, как в картине «Прощание с художником. Пьета». Она сравнивает художника со Спасителем, потому что в начале ХХ-го века люди искусства часто вели полунищенское существование, и это было абсолютной жертвой, – собственная жизнь приносилась на алтарь великой цели.
Мария Васильева. Прощание с художником. Пьета. 1920-е. Источник фото: авторское
На Монпарнасе сформировалось уникальное художественное общество, где собирались поэты, музыканты, театральные деятели и художники. В этой атмосфере свободы и равенства и утверждали свое положение женщины. Гийом Аполлинер очень точно охарактеризовал этот период: «Женское искусство стало великим искусством, и его уже не спутаешь с мужским».
