В ГМИИ им. Пушкина до 30 января 2022 года проходит выставка рисунков современных художников из коллекции Флоранс и Даниэля Герлен. Искусствовед Евгений Наумов специально для DEL’ARTE Magazine на примере истории коллекции четы Герлен рассказывает, через какие этапы иногда проходит собиратель искусства, и как он влияет на мир вокруг себя; анализирует несколько работ из их собрания, чтобы понять, как смотреть такие произведения и на что обращать внимание.
Коллекции, собранные сердцем
История Даниэля Герлен, наследника семейной парфюмерной компании, может напомнить еще об одном коллекционере — Рональде Лаудере, сыне знаменитой Эсте Лаудер, страстном поклоннике австрийского искусства и основателе Neue Galerie в Нью-Йорке. В свое время этот человек сделал из малоизвестного Эгона Шиле художника мирового масштаба. Молодой коллекционер просто заражал всех окружающих своей любовью к Австрии 1920–30-х годов, растущий интерес породил спрос, а спрос — признание. Сам Лаудер получил известность в качестве одного из ведущих специалистов в области немецкого довоенного искусства.
Искренне влюбленные коллекционеры очень часто становились знатоками. Так произошло и с Флоранс и Даниэлем Герлен. Начав как обычные любители искусства, «которые покупают картины под цвет занавесок», они за несколько десятков лет усердной работы приобрели репутацию экспертов. Разве это не впечатляет?
Пэт Андреа «Лицо 2», 1996-1997. Фото: Евгений Наумов
Итак, вы вдохновились этими примерами и решили стать коллекционером, с чего вы можете начать? Возможно, кто-то из ваших знакомых занимается искусством на хорошем любительском уровне? Именно работы друзей-художников заложили когда-то основу собрания Даниэля и Флоранс Герлен. Скорее всего, общие интересы сделают вас еще дружнее, вы лучше вникнете в процесс создания произведений искусства и, в свою очередь, мотивируете начинающего художника продолжать работу, постоянно улучшая свое мастерство.
Не бойтесь выбрать широкий спектр коллекционирования, со временем вы сможете лучше понять основной предмет своего интереса. Чета Герлен начинала в 1980-х годах, собирая живопись, графику, скульптуру и фотографии. Последняя при этом была ведущим разделом их коллекции. Однако спустя тридцать лет они решаются продать фотографии и целиком сосредоточиться на рисунках современных художников. Вы же можете включить в свое собрание также и тиражную графику или, наоборот, сузить тему рисунка до акварелей.
Кики Смит «Без названия (Женщина с птицей)», 2003. Фото: Евгений Наумов
В процессе формирования личной пинакотеки вы будете знакомиться со множеством новых людей. Прежде всего с художниками. Возможно, это самое ценное в работе над коллекцией. Подумайте, однажды ваше собрание заинтересует какой-то музей, или же вы решитесь попрощаться с какой-то его частью и будете вести переговоры с аукционным домом, и именно вы станете источником ценнейшей информации о никому не известном доселе художнике. Общаться с творцами на ярмарках, приходить в мастерские, узнавать из первых рук об их творческих методах, задачах и целях. Даниэль и Флоранс посещали студии художников по всему миру и всегда покупали по зову сердца, в результате личного контакта с автором. Именно потому каталог выставки их коллекции наполнен уникальными сведениями о художниках, что в его основе лежит личный каталог коллекционеров. Никто не знает о предметах в собрании больше самого собирателя. Вот так и становятся экспертами.
Сегодня вы можете прочитать про безупречный вкус Флоранс и Даниэля Герлен, собравших лучшие работы талантливейших творцов нашего времени. Никоим образом не подвергая сомнению опыт и знания уважаемых коллекционеров, однако, зададим вопрос: «А не может ли быть так, что мы признаем художников талантливейшими, а их рисунки лучшими потому, что они отобраны признанными экспертами?». Помните — они выбирали сердцем. А кто скажет, что чье-то сердце более чутко? У всех есть сердце, но каждое начинает биться чаще по каким-то своим, неведомым остальному миру причинам. Держите это в уме, доверяйте своим смутным ощущениям и не бойтесь. Возможно, вы не будете так же свободны в своих возможностях, как наследники одного из крупнейших парфюмерных домов, но ваш личный опыт не станет от этого менее ценным.
Бумага, пигмент и мастерство
Эрнест Пиньон-Эрнест «За стеклом», 1996. Фото: Евгений Наумов
Рассматривая рисунки, представленные на выставке «Современная графика из собрания Центра Помпиду. Дар Флоранс и Даниэля Герлен», обратите внимание на поверхности, на которые авторы наносят изображения. Так как для этого вида искусства важно нетронутое художником пространство произведения: основа, цвет, фактура, то, как оно принимает пигменты, — все это становится одним из основных выразительных средств. Самой распространенной основой для рисунка выступает бумага. Также художники могут использовать и ткань, и выделанную кожу, и папирус, и фанеру. Бумага тоже может быть различной как по составу сырья (целлюлоза, тряпье, рисовая мука), так и по цвету или фактуре. Например, Эрнест Пиньон-Эрнест в своей работе «За стеклом» использовал бумагу разных цветов и разной фактуры. Рисунок тела сжавшегося мужчины находится на белом листе, а фрагмент с лицом — на бумаге теплого охристого цвета, наклеенной сверху. Это выделяет его и визуально приближает к зрителю. Неровные края этой аппликации создают ощущение хрупкости и беззащитности персонажа, который на нем изображен.
Кики Смит использует в качестве основы для своего сюрреалистического рисунка несколько листов полупрозрачной бумаги ручного отлива с заметными вкраплениями волокон. Такая неоднородная многослойность делает пространство рисунка наполненным. Голова женщины с птицей не парит в вакууме как помещенное на противоположной стене «Лицо 2» Пэт Андреа, ее окружает атмосфера. Кроме того, показывая, что рисунок состоит из нескольких слоев, художница делает видимым свой метод свободного соединения образов, характерный для снов и фантазий.
Александр Пономарёв «Бессонница», 2007 (фрагмент). Фото: Евгений Наумов
Художник Александр Пономарев создает рисунки на морские темы поверх карт, и в этом нет ничего удивительного, ведь в прошлом он был моряком. И фигуры, и окружение в его работах слеплены из резких, грубых, почти механических штриховок. Это заставляет вспоминать об арт-терапии, когда через творчество человек освобождается от влияния травматического прошлого. Такого прошлого, которое проникает в сны, заставляет вскакивать с постели и судорожно хвататься за ручки несуществующего перископа, чтобы удостовериться, что за окном квартиры нет смертельной угрозы.
Раз уж заговорили о штриховке, пора перейти к средствам создания художественных образов. Эти средства: линия и пятно. Для искусства рисунка линия оказывается гораздо более важным инструментом, чем для живописи. Она часто требует от художника твердой руки и каллиграфической точности. В рисунках серии «Исследование симфонии» Йоринде Фойгт линия становится основным формообразующим элементом. Отсылающие к нотному стану скрученные дуги представляются сознанию параллельными линиями, не имеющими пересечений. Художница использует свойства восприятия зрителя для того, чтобы построить внутри него сложную пространственную композицию. При этом особенно важно, чтобы каждая линия имела постоянную толщину и была проведена одним движением руки от узла до узла. Только так получится добиться ощущения естественной упругости, отдающей прямо в глаза гудением струны.
Йоринде Фойгт «Исследование симфонии III», 2009. Фото: Евгений Наумов
Даже пятно в графике часто состоит из отдельных линий. Например, хаотическая штриховка Александра Пономарева или широкие линии на рисунке Эрнеста Пиньон-Эрнеста. Если мы вернемся к его работе «За стеклом», то увидим, что кисть руки и лицо персонажа складываются из множества штрихов мягкого карандаша, лежащих точно по форме. Оптическое соединение этих штрихов с нейтральным тоном основы дает ощущение более темных или светлых пятен, как если бы свет и тень обтекали реальную форму.
Павел Пепперштейн «Человек-Пингвин», 2007. Фото: Евгений Наумов
На оптическом смешении пигмента и фактуры материала, на котором пишет автор, работает и краска на водной основе: акварель, чернила или тушь. Контролируя плотность краски или накладывая один слой поверх другого, художник может создать пятно нужного ему тона. Но иногда творцы отпускают контроль над процессом и позволяют капле с краской свободно заполнять обильно смоченный водой лист бумаги. Очень тонко работает с чернилами Павел Пепперштейн. Он использует и свободные заливки, и послойные наложения, и мазки кистью, и штриховку пером. Лицо и белая рубашка Человека-Пингвина, злодея из комиксов о Бэтмене, — единственные носители изначального цвета бумаги. Вся остальная плоскость листа залита равномерным светло-серым тоном. Постепенно сгущаясь в черные кляксы, чернила формируют и фигуру, и фон вокруг нее, чтобы в итоге прорваться тоненькими ручейками из ладони-плавника. Аморфной руке, как бы запятнанной кровью, противопоставлен выточенный строгой штриховкой профиль преступного гения. Весь визуальный эффект держится на контрасте разных приемов работы с чернилами.
Видия Гастальдон «Matter Dolorosa», 2011 (фрагменты). Фото: Евгений Наумов
Графика — это не всегда работа с темным и светлым, цвет тоже иногда присутствует в рисунке. Это и акварель, и пастельные мелки, и цветные карандаши. С цветом также можно по-разному работать. Например, Марк Дион, используя карандаши красного и синего цвета, выделяет одни объекты на фоне других и заставляет их взаимодействовать друг с другом. Несмотря на полихромию, его работы остаются строгими и графичным. А вот Видия Гастальдон мастерски использует свойства различных материалов для создания живописных эффектов: цветовые переливы и размывки, брызги и мазки кисти, влага и водоотталкивающие цветные карандаши. Контролируя поведение художественных средств там, где это необходимо, и позволяя им свободно искать свой путь на плоскости рисунка там, где это возможно, художница создает мистические пейзажи, населенные многоглазыми чудищами и скорбными холмами.
Все это лишь малая часть средств художественной выразительности, которые могут быть присущи такому, казалось бы, аскетичному искусству рисунка. Вы можете сами исследовать этот безграничный космос. А начать следует с выставки в ГМИИ им. Пушкина, которая продлится до 30 января 2022 года.
