Осенний календарь громких выставок закрыл 47-й Российский Антикварный салон в Гостином дворе в Москве. Ведущие галереи представили произведения, способные украсить даже самое авторитетное собрание. Специально для DEL’ARTE Magazine искусствовед Александра Ерошенко рассказывает о семи предметах искусства, которые она успела отметить на масштабной экспозиции салона.

Пятидневная выставка, начавшаяся 24 ноября, собрала более 250 галерей. Экспозиция была организована по разделам, соответствующим различным сферам коллекционирования: «Антиквариат», «Ювелирное искусство», «Ретроавтомобили» и специальный проект Lifestyle «Искусство интерьера». Среди экспонатов можно было найти работы русских авангардистов и художников-эмигрантов – Марка Шагала, Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой. 

В число представленных на выставке-ярмарке произведений декоративно-прикладного искусства вошли изделия японских мастеров периода Мэйдзи, ювелиров и серебрянников, многие из которых были удостоены звания Поставщиков Высочайшего Двора, – ювелирных фирм «Фаберже», «Болин», Хлебникова, Лорие, Курлюкова, Немирова-Колодкина, Сазиковых и других. В разделе «Ювелирное искусство» значились украшения и арт-объекты ювелирных брендов Chamovskikh, Tarutin, Style Avenue, Михаил Милютин.

Новый раздел салона Lifestyle «Искусство интерьера» посвятили искусству создания пространств при помощи мебели, текстиля и аксессуаров. Здесь были показаны макеты внутреннего пространства дома с произведениями искусства, подчеркивающие мысль организаторов: искусство повсюду.

Но самая главная возможность, представленная салоном зрителям, – это шанс увидеть редкие работы именитых мастеров. Представляем список из семи самых громких экспонатов, на взгляд искусствоведа Александры Ерошенко:

Ф.Ж. Кинсон «Портрет Софьи Петровны Свечиной» (1816 г.)

Ф.Ж. Кинсон «Портрет Софьи Петровны Свечиной». 1816 г. Фото: Дарья Чертоляс

На фоне патриотических настроений после победы над Наполеоном в 1812 году художники писали множество портретов в национальных костюмах, которые не жаловались со времен запрета Петра I. Детали народной одежды сочетались с элементами придворного платья, поэтому сарафан имел слишком низкую линию декольте, а головной убор напоминал кичку. В портрете эпохи романтизма модель изображалась на нейтральном фоне, а основной акцент был сделан на самой модели. Еще одна характерная черта портретов начала XIX века – задумчивый взгляд.

Н.Г. Шильдер «Парадный портрет Александра III»  (1880-е гг.)

Н.Г. Шильдер «Парадный портрет Александра III». 1880-е гг. Фото: Дарья Чертоляс

Парадный императорский портрет – одно из самых ценных полотен, представленных на салоне. В частных коллекциях подобных портретов осталось очень мало, так как в советское время их распределяли в государственные музеи. Традиционно изображая императора в военном мундире, художник подчеркивает мощное телосложение Александра III, названного в народе «богатырь на троне». Кстати, именно картины Шильдера заложили основу для Третьяковской галереи: его «Искушение» (1857) стало первым полотном, которое приобрел Павел Третьяков.

И.И. Левитан «Лунная соната. Туман» (1890 г.)

И.И. Левитан «Лунная соната. Туман» 1890 г. Фото: Дарья Чертоляс

Традиция русского лирического пейзажа представлена на салоне творчеством Исаака Левитана. Мистическое пространство, покрытое густым туманом, – не самый частый мотив для живописца, любившего изображать дневной свет. В начале 1890 года художник совершил поездку в Европу, где увлекся творчеством импрессионистов. Вероятно, эта работа создана под впечатлениями от нового искусства, которое еще не было известно в России.

М.А. Врубель «Самуил против Саула» (1889-1890 гг.)

М.А. Врубель «Самуил против Саула». 1889-1890 гг. Фото: Дарья Чертоляс

Работы Врубеля тоже нечасто можно встретить на таких мероприятиях. Рисунок «Самуил против Саула» создан в московский период творчества художника. С 1890 по 1902 год под впечатлением от библейских эскизов А.А. Иванова он часто обращался к этим же сюжетам, но раскрывал их иначе. Например, в этой работе он изображает пророка не с Давидом, которого он тайно помазал на царство, а с Саулом, против деспотической власти которого и выступал Самуил. Врубель выделяет пророка композиционно, оставляя его одного в левой части рисунка, и подчеркивает его особую роль, используя локальные пятна черной туши. Сама сцена решена в общей традиции графики модерна – аскетичная линия, формирующая изящные силуэты.

К.С. Петров-Водкин «Черные маски» (1909 г.)

К.С. Петров-Водкин. «Черные маски». 1909 г. Фото: Дарья Чертоляс

Петров-Водкин писал: «Театр, толково объединяющий слово, жест, музыку и зрелище, всегда производил на меня большое впечатление». Художник начал свои эксперименты в 1900-е годы как драматург, а как создатель декораций выступил впервые только в 1913-м. Работа «Черные маски» отражает одни из первых поисков мастера в искусстве декораций. Он берется за самую сложную пьесу Леонида Андреева и создает свой вариант пространства сцены. На его акварельном эскизе изображен зал рыцарского замка – это оформление первой картины пьесы. В авторских ремарках указано, что «все блещет золотом, яркими красками мозаики, нежною прозрачностью цветных стекол», однако художник отказывается от такой яркой цветовой палитры – безусловной доминантой является синий цвет стен, а остальная часть решена в светлых оттенках.

Н.К. Рерих «Палаты царя Берендея» (1912 г.)

Н.К. Рерих «Палаты царя Берендея». 1912 г. Фото: Дарья Чертоляс

Эскиз к пьесе Александра Островского для Петербургского драматического театра А.К. Рейнеке выполнен художником в характерной манере: славянские мотивы переплетаются с индийскими. С первого взгляда сложно различить, что перед зрителем – азиатский храм или русский дворец. На такие ассоциации, в первую очередь, наводит цветовое сочетание: использование синего и зеленого не характерно для древнерусских интерьеров. Тем не менее, фантазийное пространство решено сценично – прямая перспектива, дающая глубину и возможность разделения на несколько планов в мизансценах, а яркое колористическое оформление было достоинством театра начала ХХ века.

Н. Пуссен «Спящая Венера и Вакх» (первая половина XVII века)

Н. Пуссен «Спящая Венера и Вакх». Первая половина XVII века. Фото: Дарья Чертоляс

Основоположник классицизма Никола Пуссен часто обращался к мифологическим сценам, так как они давали возможность писать обнаженную натуру совершенно свободно. В «Спящей Венере и Вакхе» живописец изображает Венеру в сложной позе, демонстрируя великолепное знание анатомии. Сюжет представлен на фоне пейзажа, напоминающего декорацию, – черта классической живописи, когда все пространство картины обозначает театральную сцену. Работы Пуссена нечасто встречаются в России даже в собраниях государственных музеев, и увидеть его полотно на Антикварном салоне  большая удача.