В фонде Ruarts в Трубниковском переулке открылся проект «Нити», посвящённый текстильному искусству. О том, что это за оригинальный медиум и какие произведения представлены на выставке, читателям DEL’ARTE Magazine рассказывает Евгений Наумов.
Можно подумать, что в Москве объявлен год текстильного искусства. Весной практически одновременно открылись проекты 1-й ГРАУНД Биеннале современного искусства, посвящённой этому оригинальному медиуму, и выставка «Соткано» в фонде культуры «Екатерина», которые уже представили публике многих молодых и ставших уже классиками художников. Однако, несмотря на свою кажущуюся редкость, тема текстильного искусства оказалась настолько неисчерпаемой, что фонд Ruarts смог и удивить новыми именами, и напомнить о нескольких авторах, не представленных на первых двух выставках.
Катрин Борисов, арт-директор фонда и галереи Ruarts
«Я много лет езжу по европейским и азиатским ярмаркам и, помимо поисков новых художников для галереи, я, конечно же, составляю для себя представление о самых последних тенденциях. Ещё 10 лет назад я заметила тренд на работу с текстилем и очень хотела сделать подобную выставку. Когда в конце 2019 года мы поняли, что у нас будет большая площадка под коллекцию фонда, я сразу же включила в выставочный план проект с тканями. Хотелось, конечно, сделать это первыми, но планирование есть планирование! Крупные проекты в фонде мы открываем два раза в год, и в первую очередь хотелось показать хайлайты коллекции фонда, которая на тот момент уже насчитывала более 2000 экспонатов. В 2024-м пришло время текстильной выставки, для неё мы пригласили куратора Нину Гомиашвили, которой доверили рассказать в стенах фонда о ткани современного искусства, объединив как работы из коллекции, так и произведения молодых авторов, работающих с текстилем. Возможно, часть из них пополнит нашу коллекцию после выставки».
Алиса Горшенина. «Как её зовут». 2024 © Фото: Евгений Наумов
Текстиль, тканое искусство, вышивка, вязание, петчворк, плетение, кружево, набивные куклы — всё это относительно молодые, но зарекомендовавшие себя медиумы современного искусства. Долгое время работы, созданные в этой технике, относились скорее к народной культуре. Хотя объекты, использующие текстиль, периодически появлялись то в арте повера («Венера в лохмотьях» Микеланджело Пистолетто), то в постминимализме (серия работ Роберта Морриса из коричневого войлока), систематическое использование ткани, нитей и всего, что с ними связано, было введено художницами-феминистками Джуди Чикаго и Мэри Келли в середине 1970-х годов. Маргинальные, стереотипно относящиеся к малопрестижному женскому труду методы создания объектов визуальной культуры вторглись в историю модернистского искусства и продолжают привлекать всё больше и больше художников. За 50 лет работа с тканью перестала считаться чем-то женским и оттого незначительным. Герой Хасинто Тараса Риддика в фильме «Двойной КОПец» — брутальный качок-бандит — заявляет, что может связать «офигенно большой клёвый свитер». И интерес институций к текстильному искусству подтверждает, что уметь вязать, и вообще, работать руками с тканью — это действительно офигенно и клёво.
Егор Федоричев. Объект из серии «Лебединое озеро», 2023 © Фото: Евгений Наумов
До сих пор приобретённый опыт подсказывает зрителю, что изделия из нитей и ткани относятся скорее к категории милых тёплых предметов, изготовленных любящей бабушкой. Поэтому первоначальная реакция на текстильное искусство может быть как умилением, так и непониманием, что эти предметы делают на выставке искусства. Но с другой стороны, в основе подавляющего большинства живописных работ также находится ткань — отрезок холста, на который наложена краска. И по подобной формуле даже исполнены несколько произведений на выставке «Нити»: объект из серии «Лебединое озеро» Егора Федоричева (спрей и масло на холсте) или объекты из сери «Октябрьская улица, д. 7, кв. 10/4» Василисы Лебедевой (цианотипия на холсте). Однако произведения из ткани отличаются от произведений на ткани тем, что действительно не скрывают техники своего производства, то есть обладают той самой медиум-специфичностью и автореферентностью.
Елена Самородова и Сергей Сонин. «Усадьба Знаменское-Раёк. Архитектор Николай Львов». 2023 (фрагмент) © Фото: Евгений Наумов
Вышивка, даже сюжетная, не скрывает материала, из которого сделана. Зритель видит нитки, швы, фрагменты ткани, её текстуру и фактуру, и потому произведение для него разделяется на два несовместимых концептуальных плана: или он рассматривает образ, или материал. При этом зритель сохраняет свободу самостоятельно решать, какой из этих планов он хочет рассмотреть. Таким образом, через текстиль в область актуального искусства возвращается образность и повествовательность, которые были некогда вытеснены абстракцией более ста лет назад и с тех пор всегда находились под подозрением в возврате к домодернистским стилям. Заплутавшая в лабиринте объектов, инсталляций и перформансов теория искусства может снова вернуться к критериям изобразительности.
Сергей Параджанов. Эскиз к фильму «Демон». 1970-е © Фото: Евгений Наумов
Говоря об использовании текстиля в искусстве, отечественный зритель, вероятно, вспомнит Тимура Новикова с его узнаваемым петчворком. На выставке «Нити» представлено две работы этого классика позднего советского андеграунда, однако открывается она коллажем Сергея Параджанова. Работа выделяется тем, что стена вокруг неё оформлена как дополнительная красная рамка, рифмующаяся с красными же столбиками-нитями, «пронизывающими» все этажи экспозиции. Знаменитый советский режиссёр-новатор часто использовал ткань в своих произведениях и даже в эскизах костюмов для фильмов, также он создавал ассамбляжи, куклы и даже художественные шляпы. Большая часть работ Параджанова осталась у наследников и составила музей в Ереване, и потому удивительно и приятно видеть одно из его ярких произведений в Москве.
Саша Браулов. «Документальная вышивка». 2024 © Фото: Евгений Наумов
Помимо строгого и ненавязчивого дизайна, выставку связывает также серия «Документальная вышивка» Саши Браулова. Небольшие отрезки ткани с «нарисованными» с помощью цветных нитей детьми в сопровождении ироничного текста спрятаны в укромных уголках экспозиции. Найдя одно из них, зритель начинает внимательнее смотреть вокруг, обходить каждый постамент, изучать каждую колонну и заглядывать за каждый угол в поисках нового послания «Чё зыришь, глаза пузыришь?» или указания «Там Тюрлик». И действительно, текстильные коллажи Виталия Тюрлика расположились по соседству.
Елена Шарганова. «Терриконы памяти». 2024; Анастасия Литвинова. «Октябрьская улица, д. 7, кв. 10/2». 2021 © Фото: Евгений Наумов
Кураторы выставки постарались разместить похожие по визуальному исполнению или концепции, или общему настроению работы поблизости. Так и цианотипии Анастасии Литвиновой, и тканевые коллажи с элементами цианотипии Елены Шаргановой посвящены воспоминаниям о доме. В первом случае художница с помощью стандартизированных предметов обихода воссоздаёт негативные отпечатки интерьера дома своих бабушки и дедушки. Во втором автор обращается к истории родного города Нелидово, вписывая в него семейную память. Обращаясь к архаическим техникам фотопечати с помощью цианистого калия и аммиачного железа, художницы усиливают ощущение временной дистанции между зрителем и изображением.
Катика. «Нероли, секс и орхидеи». 2023–2024 © Фото: Евгений Наумов
Также прекрасно выглядят размещённые рядом гобелены Кристины Пашковой и вязанные работы Катики. Обе художницы сочетают декоративные техники, ассоциирующиеся с мягкостью, теплотой и уютом, и грубые провокационные сюжеты. С одной стороны, такой подход подсвечивает смену парадигмы «красивого». В Средние века стены замков украшали сцены охоты и рыцарских турниров, так почему бы сегодня не поместить на их месте кадр из игры или эротическую композицию? С другой, подобный разрыв между медиумом и сюжетом вызывает в зрителе когнитивный диссонанс, устраняет границу между «высоким» и «низким», «культурным» и «китчевым», искусством и кунштюком.
Елена Смородинова и Сергей Сонин. Штандарт «Наполеон Бонапарт. В память об Индийском походе». 2022; Андрей Крисанов. «Из варяг в греки». 2013 © Фото: Евгений Наумов
На первом этаже расположились произведения, которые можно условно объединить темой альтернативной истории: имитация традиционного восточного ковра, включающая фотографию современного космодрома, от коллектива AES+F, штандарты и шпалеры дуэта Елены Смородиновой и Сергея Сонина и работа «Из варяг в греки» Андрея Крисанова.
AES+F. Carpet #5, JFK, Florida. 2000 © Фото: Евгений Наумов
Ковёр со сложным названием Carpet #5, JFK, Florida относится к масштабной серии, созданной AES+F в 2000 году. В ней художники представляют альтернативное будущее, когда западная цивилизация окажется реколонизирована исламским миром, как это однажды произошло уже в конце первого тысячелетия. Тогда молодая исламская цивилизация принесла на территорию Пиренейского полуострова обилие новых знаний, в том числе архитектурные конструкции, которые в будущем стали готическими сводами, и трактаты греческих философов, которые легли в основу христианской схоластики. Но что принесёт человечеству новое столкновение разных культур? Могли ли отечественные художники предвидеть открытие филиала Лувра в Абу-Даби?
Елена Самородова и Сергей Сонин. «Ротонда-мавзолей, усадьба Никольское-Черенчицы. Архитектор Николай Львов. Гермы Павла I и Наполеона Бонапарта под деревом вак-вак». 2022 © Фото: Евгений Наумов
Произведения Елены Самородовой и Сергея Сонина представляют артефакты альтернативного прошлого. Так, на военных знамёнах оказался запечатлён героический поход императора Павла I и первого консула Франции Наполеона Бонапарта в Индию. На шпалерах зритель видит не воздвигнутые исторические здания и памятники эпохи рубежа XVIII–XIX веков (кроме Виллы Ротонды, она существует). Эти работы также являются частью масштабной мистификации «Утопия и ухрония», в которой события в параллельном таймлайне квантовой мультивселенной изучаются на основе случайно попавших к нам исторических памятников.
Андрей Крисанов. «Из варяг в греки». 2013 © Фото: Евгений Наумов
Андрей Крисанов, в отличие от перечисленных выше групп, размышляет над реальной историей. Центральная полоса, разделяющая два метафорических берега, символизирует одновременно и водную артерию, ставшую топографической основой для возникновения русской культуры, и промежуточное состояние самой этой культуры, тяготеющей и к национальной идентичности, и к модернистской универсальности. Художник использовал для обозначения кораблика узнаваемый банан Энди Уорхола, возможно, чтобы обозначить и собственное положение, подвешенное между севером и югом, возможно, чтобы показать неукоренённость всей современной постмодернистской культуры, а возможно, просто для создания иронической дистанции, чтобы зритель вспомнил известный образ и улыбнулся.
Ирина Корина и Ольга Божко. Работы из проекта «Притча», 2023 © Фото: Евгений Наумов
Напоследок хочется посвятить несколько слов сайт-специфичной тотальной инсталляции, созданной совместно Ириной Кориной и Ольгой Божко. Они разместили в пространстве выставки лабиринт составленных из покрывал шатров, напоминающих шалашики, которые дети строят для своих игр. Отсылка повседневности располагает зрителя к мыслям о прошлом, и потому размещённые здесь объекты будят воспоминания и настраивают на ощущение уюта. Однако лозунги из вязаных букв врываются в это безопасное пространство со словами «мерзко» и «погано», что вскрывает тёмные аспекты детства: травмы, недостаток любви и внимания со стороны родителей, царящую в семье атмосферу страха перед историческими процессами за окном.
Лиза Ольшанская. Из серии «Камни, цветы и новая коллекция». 2023 © Фото: Евгений Наумов
Нина Гомиашвили, куратор выставки «Нити»
«Подбор авторов был скорее вопросом интуиции и чёткого представления о том, какой должен быть результат. В первую очередь мы обратились к произведениям из коллекции фонда Ruarts и смыслам, заложенным в них авторами. Именно на эти посылы мы буквально нанизывали произведения других художников. Никакой градации по возрасту или по степени звёздности не было, скорее хотелось создать „стаю“, которая бы очень ровно летела, или „хор“, который бы очень чисто пел. Мы не искали молодых авторов специально, они удивительным образом вплелись в смысловую нарративную и совершенно мифическую историю, которую нам удалось рассказать в этом проекте».
Куратор выставки в фонде Ruarts — Нина Гомиашвили — привлекла для проекта «Нити» очень много молодых художников. Многие произведения были взяты с выпускных выставок, многие — с прошедших совсем недавно персоналок. Отрадно видеть, когда за проект берётся человек, активно интересующийся современным искусством, а не снимающий сливки уже проверенных другими галереями художников. Если ГРАУНД Биеннале была преимущественно про живое необработанное творчество, а выставка «Соткано» в фонде культуры «Екатерина» — в основном про глубоко институционализированных и авторитетных творцов, то «Нити» — это про признание молодых художников солидной институцией.